Голая девушка в ракушке?! Пытаемся понять, кто и почему стал главными художниками Возрождения

Источник материала:

Недавно мы запустили рубрику «Че так сложно-то?», где простым языком, как для друзей, объясняем всякие штуки про культуру и искусство. В первом выпуске мы поговорили об известных художниках XIX и XX веков. А еще обещали, что в следующий раз попробуем разобраться в главных живописцах Возрождения (начало XIV — конец XVI века). Собственно, этим и займемся. Погнали!

Микеланджело Буонарроти (не черепашка, но не расходитесь)

Микеланджело — один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения и раннего барокко. Именно он создал статую Давида. Ее фишка в том, что раньше этого героя изображали только после победы над Голиафом, а вот Микеланджело дерзнул «запечатлеть» библейского персонажа в раздумии о еще предстоящей схватке. Да, чтобы уловить суть, нужно знать сюжеты Библии. Ничего не поделаешь. Пока просто посмотрим на статую.

А теперь — к теории.

Термин «Возрождение» появился, потому что в определенный период истории деятели искусства вдруг вспомнили про античную культуру и начали делать отсылки к ее наследию. Собственно, к ней возродился интерес. Определяет это время антропоцентризм и гуманизм — в принципе, как и в античности, внимание было приковано к человеку. Происходило все это с начала XIV века в Италии, а с XV века — в остальной Европе. Конец периода — последняя четверть XVI века (иногда к Возрождению относят и первые десятилетия XVII века).

Ах да. Ренессанс — это то же самое, что Возрождение. Просто типа по-итальянски.

Барокко — стиль, который характеризуется пышностью и в то же время «плоскостью» форм, драматизмом и динамизмом. В такой живописи вы увидите глубокие и насыщенные цвета вкупе с интенсивными тенями. Все это — для того, чтобы вызвать эмоции у зрителя (в отличие от рациональности классицизма, которая не вызывала вообще ничего такого).

Микеланджело — один из тех везунчиков, чьи работы начали ценить еще при жизни автора. А еще творец дружил с римскими папами. Именно Микеланджело позвали, чтобы расписать Сикстинскую капеллу. Все это — вручную. За четыре года. Только представьте!

Центральная фигура произведений итальянца — человек (мы же все еще о Возрождении, помните?). Причем человек, которым движет страсть, действенный, готовый к подвигу.

Особенности творчества:

• мощная пластика изображаемых героев;
• масштабность и монументальность;
• драма и напряжение в образах (посмотрите на Давида: несмотря на то, что он находится в расслабленной позе, в его мускулатуре читается собранность и готовность к бою);
• преклонение перед красотой человека.

Короче, Микеланджело реально «топовая» фигура в мировом искусстве. Он подарил практически каждой его сфере по культовому произведению — будь то живопись, скульптура, поэзия или архитектура.

Рафаэль Санти (тоже не из мультика)

Это тоже итальянский парень, и наверняка с его работами вы знакомы. Попробуем в них разобраться.

Технике живописи Рафаэль во многом учился у Да Винчи и Микеланджело. Быстро стал популярным автором — и у него многие заказывали образы святых. Да, это важно: в эпоху Возрождения практика картин на заказ была нормой.

А вот, пожалуй, самая известная работа Рафаэля — «Сикстинская Мадонна».

Как понять, что перед вами Рафаэль:

• скорее всего, на картине Мадонна, и она изображена как-то по-трепетному мило (это есть во многих полотнах художника);
• к монументальности и пластике Микеланджело как будто добавляется легкость и грация;
• на своих картинах он воплощал не конкретного человека, а собирательные образы;
• детально проработанные человеческие образы (особенно на поздних работах).

Кстати, помните Мане и его «Завтрак на траве»? Француза на эту картину вдохновила одна из гравюр Рафаэля. Во как все связано.

Сандро Боттичелли (это у него голая девушка в ракушке)

Одну картину этого автора вы наверняка видели — «Рождение Венеры».

Боттичелли одним из первых внес в свои сюжеты античные мотивы. Потом, правда, обратился к христианским, но тем не менее! В некотором роде итальянец — революционер от живописи: первым он был не только в обращении к античности, но и в другом. Конкретнее: отошел от портретов строго в профиль и начал писать почти что анфас, нейтральный однотонный фон заменял на пейзаж, четко выписывал детали человеческого тела, выдавливал на картине нишу и вставлял туда медаль (а не писал ее сам). Звучит уныло, но для XV века — как нанотехнологии.

А вот две картины, которые мы вам показываем, это позднее творчество художника, в котором его отличительные черты особенно просматриваются. Ну и это еще самые известные его работы.

«Фишки» Боттичелли:

• нежный колорит (в основном);
• нередко лица изображены в повороте ¾;
• в картинах реалистичность уступает место ритму и декоративной композиции;
• пышность и вычурность деталей.

It’s a trap! Боттичелли, как и Микеланджело, тоже расписывал Сикстинскую капеллу. Не перепутайте: Микеланджело — потолок, Боттичелли — стены.

Загадочный и символичный Иероним Босх

Об этом нидерландском художнике вы точно слышали. Знал бы он, сколько мемов породят в XXI веке его картины!

Если что: мем с девушкой, у которой цветы находятся в пятой точке, родился благодаря триптиху «Сад земных наслаждений». Эту масштабную работу сейчас можно увидеть в Мадриде. До сих пор исследователи так и не определились, чему все-таки посвящена эта работа. Даже название триптиха придумали ученые, а не сам автор. Но что ясно точно: центральная (и самая известная) часть картины посвящена такому греху, как сладострастие. Звучит непонятно? Ну да, сладострастие — это про сексуальные утехи.

Впрочем, дичь, которая происходит в сюжетах Босха, нам на руку: художник, очевидно, выделяется «в толпе». Его даже называют «главным поставщиком безумия» в Средневековье, а исследователи сравнивают его с Дали, называя сюрреалистом XV века. Напомним, этот стиль расцвел в XX веке, то есть Босх «перепрыгнул» в своем творчестве лет на 500. При всем своем эксцентризме художник остается самым загадочным живописцем не то что того времени, а, пожалуй, искусства вообще. Нормально так понавыдумывал. А ведь в свое время его работы считали просто забавными и развлекательными.

Как понять, что перед вами Босх:

• в картинах зашифрована ку-у-у-уча символов (лестницы, ключи, черные птицы, стрелы, перевернутые воронки и даже отрезанные ноги), многие из них — алхимические;
• странные персонажи из бестиария — это уже ставший нарицательным средневековый сборник статей, где рассказывалось о «нечистых» животных (жабах, зайцах, лошадях).

It’s a trap! Беда в том, что у Босха было достаточно подражателей и копиистов. Тут уж в определении авторства поможет только чутье и интуиция.

Симпатяга Альбрехт Дюрер и его портреты

Человек, который вывел гравюру на дереве (ксилографию) на новый уровень. А еще он первый из художников написал автобиографию. Да и вообще, себялюбия Дюреру не занимать: он подозревал, что его внешность весьма ок, и любил изображать на картинах самого себя не без попытки понравиться зрителю. Но здесь была и благородная цель: немец считал, что портрет — в принципе хороший способ сохранить конкретный образ для будущих поколений. Не будем голословными: вот автопортрет художника. Красавчик, а?

В общем, Дюрер капитально отличается от всех остальных — хотя бы даже видом искусства. Художника постоянно бросало то туда, то сюда: тянуло к деталям и к монументальности одновременно, в нем уживались как чувственность, так и рационализм. Что-то такое можно отследить и в творчестве. Плюс Дюрер первым в Германии изобразил голое тело с натуры и «привел» в сюжеты крестьян, рыцарей и горожан. Короче, погряз в бытовухе.

Как узнать Дюрера:

• детализации его рисунков флоры и фауны позавидует любой ботаник (во всех смыслах слова);
• классические библейские сюжеты получают новое прочтение.

Бонус: мастер теней Рембрандт (не Возрождение, но близко)

Кажется, мы уже вспоминали барокко, говоря о Микеланджело? Так вот, Рембрандт в творчестве отсылается как на наследие итальянского Ренессанса, так и на барокко. Еще это второй художник из Нидерландов в нашей подборке. И второй, кто тоже занимался гравюрой. Короче, некоторым образом собрали от всех по чуть-чуть.

В ранние годы Рембрандт баловался автопортретами, но, в отличие от Дюрера, скорее для обучения. На себе художник тренировался играть с тенями, светом и в принципе искал, что ж у него за стиль такой. Концом этих исканий стала картина «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632), которая, как сказали бы сейчас, «взорвала интернет». Что ж тут такого удивительного? Да в общем-то ничего, кроме того что люди выстроены не в параллельные ряды и не смотрят на зрителя, а расположены по другой композиции (неслыханное дело).

Вобрав в себя многое из прошлого, Рембрандт отлично предсказал будущее, написав свою масштабную картину «Ночной дозор». Вот и она.

Крутость в том, что художник как бы предсказал методы реалистов, о которых тогда еще и речи не было. Вместо того чтобы писать заказчиков портрета в статике, Рембрандт рискнул и «оживил» их. С этим живописец «облажался»: заказчикам такое не понравилось и портрет не оценили. Чтобы избежать подобных случаев, в дальнейшем художник иногда писал в угоду людям, чем снижал художественную ценность своих картин. Если б он знал… Но если в общем, Рембрандт писал крутые портреты. Точка.

В следующий раз нас ждет урок музыки: наконец научимся с умным видом говорить «о, это „Полет шмеля“ играет» на знакомую мелодию.